Iván Ruiz indaga en la profunda perversión de la fotografía contemporánea

Cadáver-no-exquisito quemándose en el trópico. Créditos: Francisco Cubas/Iván Ruiz/Martin Parr. ©2013 Francisco Cubas

Cadáver-no-exquisito quemándose en el trópico. Créditos: Francisco Cubas/Iván Ruiz/Martin Parr. ©2013 Francisco Cubas

Nos tocaron, como a todos los hombres, malos tiempos en que vivir (1). La violencia que se extiende por el mundo, y en especial en México, donde los narcotraficantes se ensañan de manera sádica con sus víctimas, nos parece inusitada, aunque basta recordar las pinturas negras de Goya para darnos cuenta de que el horror que infligimos en nuestros semejantes actualmente no es sino una vuelta más en la milenaria espiral de nuestra historia, que avanza y retrocede sobre los mismos ejes. Lo que si resulta novedoso es el tratamiento con el que la fotografía contemporánea aborda esa violencia. Ese es el tema que Iván Ruiz ha investigado desde hace tres años, y que compartió hace unas semanas con el público de la Universidad Juárez Autónoma de Tabasco en la conferencia titulada La incertidumbre estética en la nueva fotografía documental.

Ruiz es investigador del Programa de Semiótica y Estudios de la Significación en la Universidad Autónoma de Puebla, doctor en Historia del Arte por la UNAM y miembro del Sistema Nacional de Investigadores. Durante su charla, presentó al público un resumen muy accesible de los avances de su investigación, explora la forma en que la fotografía de nota roja de los diarios se ha convertido en foto de autor, digna de ser expuesta en museos como el MOMA, y las implicaciones éticas y estéticas de todo ello. La mayor parte de la exposición se basó en las imágenes de Fernando Brito, fotógrafo de Culiacán cuya serie Tus pasos se perdieron en el paisaje se ha hecho famosa internacionalmente, pero también mostró el trabajo de Enrique Metinides (decano de la nota roja en México y también famoso mundialmente), Eloy Valtierra, Teresa Margolles, Sally Mann, Pedro Pardo, Guillermo Arias y Álvarez Bravo. Con una sencillez que rara vez se observa entre los académicos, Ruiz preparó su discurso para un público no especializado, y explicó en términos claros y comunes el uso de referentes pictóricos en el trabajo de los autores mencionados, comparando sus fotografías con imágenes de Goya, Rembrandt y Andrea Mantegna, entre otros.

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Robert Capa habla sobre su foto más famosa

Robert Capa retratado por Ruth Orkin en 1952.

Robert Capa retratado por Ruth Orkin en 1952.

Cualquiera que tenga cierto interés en la fotografía ha contemplado la imagen tomada el 5 de septiembre de 1936 en España, por el que es considerado el fotógrafo de guerra por antonomasia: Robert Capa. La foto, que muestra el preciso instante en que un soldado republicano se desploma abatido por una bala, ha sido ampliamente discutida a lo largo de los años. Fue tomada con una Leica, con película blanco y negro y posiblemente un objetivo de 35 mm. El negativo original nunca ha sido encontrado, así que sólo existen reproducciones, y el grano que se advierte en éstas permite pensar que la foto fue bastante ampliada para su publicación. Después de ser considerada como la mejor fotografía de guerra de la historia durante mucho tiempo, a partir de los años 70s varios historiadores comenzaron a cuestionar su autenticidad. La gran distancia temporal de los acontecimientos y el caos a que dan lugar todas las guerras, ha hecho imposible obtener pruebas irrefutables a favor o en contra.

Miliciano caído en el frente. Robert Capa, 1936.

Miliciano caído en el frente. Robert Capa, 1936.

Se ha dicho que fue una puesta en escena de un grupo de milicianos bastante lejos del frente de batalla, que habrían posado para ofrecerle a Capa la posibilidad de enviar fotos de batalla a su agencia. Se ha dicho también que en efecto era una escenificación, pero que mientras los milicianos hacían las maniobras un francotirador los sorprendió disparando contra ellos, lo cual explicaría la cercanía de Capa con el soldado caído. Algunos han identificado al hombre que aparece en la foto como Federico Borrell, quien efectivamente fue muerto en batalla, pero otros afirman que no murió atacando, sino escondido detrás de un árbol y otros incluso afirman que no se parecía al de la foto.

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Federico Gama y el laberinto de la identidad

 

Federico Gama durante el taller en el Planetario Tabasco 2000. ©2013 Francisco Cubas

Federico Gama durante el taller en el Planetario Tabasco 2000. ©2013 Francisco Cubas

Federico Gama no quería ser fotógrafo. O al menos eso es lo que él nos cuenta. Originario del barrio de Tacubaya, fue un chavo de barrio se dedicó al boxeo, el punk y los excesos durante buena parte de su primera juventud, hasta que sensibilidad lo devolvió a las aulas. Como si tuviera que compensar el tiempo perdido, estudió dos carreras consecutivamente, Comunicación y Diseño Gráfico, aunque en realidad él quería dedicarse a la pintura o la escultura, y encontramos así una primera búsqueda de identidad:

“Yo no quería ser fotógrafo, las primeras fotos que hice fueron fundamentales para que yo me dedicara a la fotografía, mi madre me regaló una cámara y con ella hice mis primeras fotos un primero de mayo de 1986. Vi las fotos y dije: “ah caray, tienen buena composición”. Yo no sabía absolutamente nada de foto pero sí sabía de composición porque me quería dedicar a la pintura o a la escultura, pero me las publicaron y entonces dije: “ah, y además son útiles, yo puedo decir lo que yo quiero y lo que yo pienso sobre el primero de mayo, y además sirven para algo”. Entonces en ese momento me atrapó la fotografía documental. Experimenté con muchas cosas, foto construida, de fotos rayadas, pegar cosas, etc, todo eso me gusta porque vengo de una veta manual con el rollo de la escultura, pero finalmente la utilidad que puede tener la imagen fue lo que me motivó y es lo que me mueve. ¿Para qué hago este trabajo si no es útil para algo?”.

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Pequeño apunte sobre la historia de las fotos de boda

Carlos Pellicer Marchena y Deifilia Cámara Ramos, los padres del gran poeta, en una foto de 1891.

Carlos Pellicer Marchena y Deifilia Cámara Ramos, los padres del gran poeta, en una foto de 1891.

¿Por qué el novio aparece sentado en muchas fotografías antiguas de bodas? La respuesta rápida es que no lo sé. La pregunta surgió hace unos días en el grupo de Facebook Somos Fans de Villahermosa Tabasco, en referencia a la fotografía de los padres del poeta Carlos Pellicer. En un principio pensé que la postura tendía algo que ver con el papel dominante del hombre en aquellos tiempos, o que la novia permanecía de pie para poder apreciar bien el largo del vestido, pero al investigar el tema recorrí me encontré muchas fotografías antiguas de novios y vi que no hay una postura en particular que domine sobre otras. Se puede encontrar a ambos novios de pie, al novio sentado y la novia de pie, o al novio de pie y la novia sentada.

Al revisar las fotografías me sorprendió encontrar a varias novias vestidas de negro, siendo que actualmente en el mundo occidental el blanco es sinónimo de vestido de bodas (otras culturas, como las orientales, prefieren el rojo). Pero es que durante mucho tiempo el color blanco no se usaba en las bodas y las novias se vestían de cualquier color . Es más, en las cortes europeas el blanco era el color del luto. Fue una boda real la que cambió esto. En 1840, al contraer matrimonio, la reina Victoria de Inglaterra usó un vestido blanco por razones políticas. Una de las  principales preocupaciones en la Inglaterra de aquella época eran los efectos perniciosos que la Revolución Industrial estaba teniendo sobre los fabricantes tradicionales de textiles. En particular la invención de una máquina que hacía encajes estaba perjudicando a los artesanos que todavía los hacían a mano, causándoles pobreza y desempleo. Como un gesto político de solidaridad con ellos, Victoria escogió para su boda una larga pieza de encaje Honinton hecho a mano. El resto del vestido era sólo un vehículo para destacar el encaje, y el blanco se escogió porque era el color sobre el que más luciría. Así, su vestido de bodas fue un símbolo de patriotismo.

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Las cámaras de fotografía en las películas

La Hasselblad nunca se vio tan bien como en el film Closer (2004), en las manos de Julia Roberts.

La Hasselblad nunca se vio tan bien como en el film Closer (2004), en las manos de Julia Roberts.

Hay personas a las que les apasiona la fotografía y hay personas a las que les apasionan las cámaras. Ambas cosas no son lo mismo, en un extremo hay grandes fotógrafos que usaron el mismo modelo de cámara toda su vida, sin verla más que como un instrumento para expresar su visión. En el polo opuesto están los coleccionistas, que buscan y adquieren las mejores cámaras por el puro gusto de tenerlas, aunque muy rara vez tomen fotografías con ellas. Entre esos dos extremos caben una gran cantidad de actitudes y comportamientos. Yo valoro más la fotografía que los instrumentos con que se realiza, pero no puedo dejar de apreciar la belleza que lograron los ingenieros del siglo XX en la fabricación de algunas cámaras mecánicas como la Hasselblad, la Rolleiflex o la Leica (llegué a tener un modelo de cada una cuando usaba película) entre muchas otras.

Hoy en día el dominio de la electrónica sobre la fotografía ha convertido a las cámaras en artículos consumibles, diseñados para ser descartados cada 18 meses. Ya no es posible comprar hoy una cámara para toda la vida y eso sin duda ha cambiado nuestra relación con ellas. Pero para los amantes de las cámaras pongo aquí este link a un divertido artículo del sitio camaracoleccion.es, que muestra una lista de películas (no exhaustiva, por supuesto) donde aparecen cámaras fotográficas, con cada mención acompañada de fotogramas del filme y una breve explicación del modelo de cámara que se muestra.

A juzgar por la lista, la imagen que el cine tiene de una cámara fotográfica es una réflex Nikon F. Y en verdad, si nos fijamos en los iconos que se usan en cualquier parte para representar una cámara fotográfica veremos que la forma de una réflex mecánica sigue muy presente en el inconsciente colectivo, tal vez porque fue el modelo dominante durante la época en que la mayoría de los adultos actuales crecimos. Tal vez algún día el icono más reconocible de una cámara será la silueta de un smartphone.

Francisco Cubas

¿Por qué reímos para la cámara?

Gente bonita y feliz, el ideal publicitario que domina al planeta.

Gente bonita y feliz, el ideal publicitario que domina al planeta.

En días recientes ha circulado por las redes sociales un artículo de la revista The Atlantic (que en realidad es un resumen de otro artículo publicado en The Public Domain Review), y que toca un tema que ya había sido abordado en otro artículo de Petapixel el año pasado. Los tres textos tratan de elucidar los motivos por los que las personas retratadas en las fotos antiguas no ríen. De hecho, la inmensa mayoría de los personajes retratados en el arte de todos los tiempos tampoco ríe. Y sin embargo a partir del siglo XX el acto de ser fotografiado es casi sinónimo de reir. “Say cheese” en inglés o “digan whisky” en español, son algunas de las frases que se utilizan para recordarle a los fotografiados lo que se espera de ellos. ¿Por qué esta fijación moderna entre la risa y la fotografía?

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Armando Cristeto y la fotografía de autor en Tabasco

Armando Cristeto el 30 de agosto de 2013, al final del diplomado ofrecido en Tabasco, el día del octavo aniversario luctuoso de su hermano, "Adolfotógrafo". ©2013 Francisco Cubas

Armando Cristeto el 30 de agosto de 2013, al final del diplomado ofrecido en Tabasco, el día del octavo aniversario luctuoso de su hermano, “Adolfotógrafo”. ©2013 Francisco Cubas

Tabasco no existe todavía en el mapa de la fotografía autoral en México. Fue la primera declaración de Armando Cristeto al comenzar su módulo de historia de la fotografía mexicana, parte inaugural del segundo diplomado en fotografía que se está impartiendo en Villahermosa desde el pasado 26 de agosto.

Es probable que una afirmación tan categórica haya incomodado a algunos de los 20 fotógrafos ahí presentes, pero Cristeto la respaldó con una argumentación irrebatible: la proyección de un estado o región puede medirse en el número de sus fotógrafos que participan en las exposiciones de carácter nacional e internacional, en los premios ganados, en las publicaciones de libros con editoriales reconocidas o en su aparición en antologías y compilaciones.

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Tres amigos, diez años

 

Jaime Ávalos posando con la Canon de Jaciel Cruz, mientras yo usaba su D100 para retratarlo. ©2003 Francisco Cubas

Jaime Ávalos posando con la Canon de Jaciel Cruz, mientras yo usaba su D100 para retratarlo. ©2003 Francisco Cubas

 

Jaciel Cruz en su etapa tabasqueña. ©2003 Francisco Cubas

Jaciel Cruz en su etapa tabasqueña. ©2003 Francisco Cubas

 

Ya no recuerdo quien me tomó la foto a mí, si Jaciel o Jimmy. ©2003 Jaime Ávalos/Jaciel Cruz

Ya no recuerdo quien me tomó la foto a mí, si Jaciel o Jimmy. ©2003 Jaime Ávalos/Jaciel Cruz

 

El siguiente es un post muy local, de poco interés para cualquiera que no tenga relación con las personas mencionadas, pero lo publico porque me trae buenos recuerdos y porque finamente este es un blog personal, no una revista. Un día como hoy, 12 de septiembre, pero de hace diez años, los fotoperiodistas Jaciel Cruz y Jaime Ávalos (Jimmy, como es conocido en el medio periodístico tabasqueño) visitaron mi casa para pasar el rato. En ese entonces éramos compañeros en el recién abierto y hoy desaparecido Milenio Tabasco (ellos como fotógrafos, yo como editor de Cultura).

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Una nueva aproximación al retrato en México

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No es mucho lo que puedo decir de este libro ya que mi presupuesto no me permitirá comprarlo en un buen rato (cuesta casi mil pesos en Ghandi). Pero por las reseñas que he podido leer y las entrevistas con sus autores puedo especular y decir que este es un libro que propone un análisis actual sobre un tema que protagoniza como ningún otro el panorama fotográfico contemporáneo: el retrato. A través de la máscara. Metamorfosis del retrato en México, tomó dos años en su realización, fue producido por la Fundación Televisa y es publicado en español con la editorial Lunwerg y en inglés con la prestigiosa Aperture.

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México Turbio, de Patricia Aridjis

Habitante de Nuevo Torno Largo, comunidad que vive frente una planta de Pemex, y dónde hay un índice muy elevado de cáncer infantil, entre otras anomalías de salud. @2013 Patricia Aridjis

Habitante de Nuevo Torno Largo, comunidad que vive frente una planta de Pemex, y dónde hay un índice muy elevado de cáncer infantil, entre otras anomalías de salud en la población. @2013 Patricia Aridjis

Hace unas semanas, cuando tuve la oportunidad de acompañar a Patricia Aridjis a su trabajo de campo en Nuevo Torno Largo, ella tuvo la gentileza de invitarme a escribir el texto de presentación para la muestra México Turbio que se inauguró el pasado viernes 19 de julio en el Centro de la Imagen de Tabasco. Fue un honor para mí, ya que recuerdo que yo y otros amigos fotógrafos que coincidimos brevemente en el diario Milenio de Tabasco hace 10 años admirábamos mucho su trabajo, que en ese entonces se publicaba en el dossier fotográfico Mirador, a cargo del editor Fernando Villa del Ángel.
La exposición estará visible durante al menos un mes en la galería ya citada, ubicada en la Zona CICOM y es una gran oportunidad para apreciar este trabajo que Patricia ha realizado con apoyo del Sistema Nacional de Creadores de Conaculta.

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