Hay que ser absolutamente contemporáneo

Una opinión sobre la XVII Bienal de Fotografía en México y sus inconsistencias

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De la serie Every night temo ser la dinner. Sofía Ayarzagoitia, Madrid 2015-2016. Inyección de tinta.

La XVII Bienal de Fotografía, que abrió sus puertas al público a finales del 2016, dio motivo a una agria disputa que, si bien es el reflejo de un debate internacional en torno a las artes plásticas, tiene también el ingrediente local de un enfrentamiento entre grupos por la conquista de un espacio de poder.

La discusión sobre el concurso convocado por el Centro de la Imagen (el mayor referente de la fotografía de autor en México, desde su creación en 1994) degeneró en descalificaciones y ataques personales a través de las redes sociales, en otra triste muestra del nivel de la conversación cultural en nuestro país.

En su columna En la mira, publicada en el diario El Universal, Ulises Castellanos, uno de los protagonistas de la fotografía periodística en México, externó una crítica visceral sobre la XVII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen, en la que lamentaba estar ante la peor exposición que había visto en su vida: “veo pura basura conceptual, más preocupados por el rollo de sus cédulas que por la propuesta visual”, y calificaba como un desastre la gestión de Itala Schmelz al frente de la institución.

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Frederick Douglass, la fotografía contra la esclavitud

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Nacido en la esclavitud, el diplomático abolicionista se convirtió en el hombre más fotografiado del siglo XIX en Estados Unidos

 

Existen 155 fotografías de Georges Custer, el célebre general que luchó para exterminar a los nativos norteamericanos; y existen 130 fotos de Abraham Lincoln, y 130 de Walt Whitman. Pero Frederick Douglass fue fotografiado al menos en 160 ocasiones.

Douglass nació en 1818 en Maryland y fue separado de su madre desde muy pequeño, como era la costumbre en las haciendas esclavistas (no supo nunca quién fue su padre). Tras pasar por varios dueños, la esposa de uno de ellos rompió la ley al enseñarle a leer. Su amo se enteró y Douglass terminó de aprender pagándole con pedazos de pan a niños blancos para que le enseñaran.

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La caída de Steve McCurry

 

La historia ha estado circulando los últimos días en la web. Steve McCurry, el legendario fotógrafo de las a su vez legendarias National Geographic y Magnum ha sido sorprendido utilizando de manera artera la manipulación digital en algunas de sus imágenes.

El fotógrafo italiano Paolo Viglione fue a una exposición de McCurry en Italia y posteó en su blog su sorpresa al ver la siguiente imagen en la muestra.

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La imagen fue rápidamente retirada de la página oficial de McCurry, pero otras personas se dieron a la tarea de buscar más casos en los archivos del fotógrafo y encontraron al menos las dos imágenes siguientes:

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La página PetaPixel contactó con McCurry y el fotógrafo respondió con varios párrafos en los que primero menciona su gran carrera y concluye como lo haría una político en una situación de crisis: “se han cometido errores y la persona responsable de ellos ya no trabaja con nosotros”.

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La fotografía siempre miente

 

El siguiente texto parte de una famosa foto de fútbol, pero su punto principal es una de las características que componen toda fotografía, así que pido paciencia a los lectores que no comparten el gusto por el juego. Se trata de una de las fotografías más famosas en la historia de las Copas del Mundo. En ella podemos ver a Diego Armando Maradona enfrentando a seis jugadores belgas en el partido inaugural del Mundial de España, en 1982. El contraste del verde del pasto con el rojo de la playera belga, el orden en que los defensores se apresuran a diestra y siniestra, la delicadeza de bailarina con que Maradona conduce el balón, todo se conjuga para que la imagen sea memorable. Pero además consigue transmitir (al menos a quienes gustan del fútbol) un sentido mitológico: aquí está el mejor jugador del mundo en aquella época, y ante él los defensas se arremolinan llenos de pánico frente a su portería, para evitar que los drible a todos (portero incluido) antes de llevar el balón al gol.

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La experiencia de ser “viral”

 

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Cuando menos lo esperaba ocurrió. Apenas unas semanas después de cumplir un año escribiendo este blog publiqué un post que se convirtió en “viral”. Como ustedes saben, el adjetivo “viral” es utilizado en nuestro actual mundo virtual para designar el contenido (vídeo o fotografía principalmente) que es compartido masivamente en muy poco tiempo a través de las redes sociales. ¿Qué entendemos por “masivamente” y “muy poco tiempo”? Ambos parámetros son ampliamente variables. Si lo medimos a escala global, encontramos que el vídeo Gagnam Style fue visto miles de millones de veces en menos de un año. Si tomamos ese número como referente hay muy pocas cosas que puedan realmente calificarse como “viral”. Pero el término se usa de manera muy elástica, para ajustarse a diferentes audiencias y lugares. Así, todo país, estado o localidad ha tenido sus contenidos “vitales”, aquellos que “todo mundo” ha visto o comentado en determinada temporada (en general tienen que ver con celebridades o reivindicaciones ciudadanas).

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Iván Ruiz indaga en la profunda perversión de la fotografía contemporánea

Cadáver-no-exquisito quemándose en el trópico. Créditos: Francisco Cubas/Iván Ruiz/Martin Parr. ©2013 Francisco Cubas

Cadáver-no-exquisito quemándose en el trópico. Créditos: Francisco Cubas/Iván Ruiz/Martin Parr. ©2013 Francisco Cubas

Nos tocaron, como a todos los hombres, malos tiempos en que vivir (1). La violencia que se extiende por el mundo, y en especial en México, donde los narcotraficantes se ensañan de manera sádica con sus víctimas, nos parece inusitada, aunque basta recordar las pinturas negras de Goya para darnos cuenta de que el horror que infligimos en nuestros semejantes actualmente no es sino una vuelta más en la milenaria espiral de nuestra historia, que avanza y retrocede sobre los mismos ejes. Lo que si resulta novedoso es el tratamiento con el que la fotografía contemporánea aborda esa violencia. Ese es el tema que Iván Ruiz ha investigado desde hace tres años, y que compartió hace unas semanas con el público de la Universidad Juárez Autónoma de Tabasco en la conferencia titulada La incertidumbre estética en la nueva fotografía documental.

Ruiz es investigador del Programa de Semiótica y Estudios de la Significación en la Universidad Autónoma de Puebla, doctor en Historia del Arte por la UNAM y miembro del Sistema Nacional de Investigadores. Durante su charla, presentó al público un resumen muy accesible de los avances de su investigación, explora la forma en que la fotografía de nota roja de los diarios se ha convertido en foto de autor, digna de ser expuesta en museos como el MOMA, y las implicaciones éticas y estéticas de todo ello. La mayor parte de la exposición se basó en las imágenes de Fernando Brito, fotógrafo de Culiacán cuya serie Tus pasos se perdieron en el paisaje se ha hecho famosa internacionalmente, pero también mostró el trabajo de Enrique Metinides (decano de la nota roja en México y también famoso mundialmente), Eloy Valtierra, Teresa Margolles, Sally Mann, Pedro Pardo, Guillermo Arias y Álvarez Bravo. Con una sencillez que rara vez se observa entre los académicos, Ruiz preparó su discurso para un público no especializado, y explicó en términos claros y comunes el uso de referentes pictóricos en el trabajo de los autores mencionados, comparando sus fotografías con imágenes de Goya, Rembrandt y Andrea Mantegna, entre otros.

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¿Por qué reímos para la cámara?

Gente bonita y feliz, el ideal publicitario que domina al planeta.

Gente bonita y feliz, el ideal publicitario que domina al planeta.

En días recientes ha circulado por las redes sociales un artículo de la revista The Atlantic (que en realidad es un resumen de otro artículo publicado en The Public Domain Review), y que toca un tema que ya había sido abordado en otro artículo de Petapixel el año pasado. Los tres textos tratan de elucidar los motivos por los que las personas retratadas en las fotos antiguas no ríen. De hecho, la inmensa mayoría de los personajes retratados en el arte de todos los tiempos tampoco ríe. Y sin embargo a partir del siglo XX el acto de ser fotografiado es casi sinónimo de reir. “Say cheese” en inglés o “digan whisky” en español, son algunas de las frases que se utilizan para recordarle a los fotografiados lo que se espera de ellos. ¿Por qué esta fijación moderna entre la risa y la fotografía?

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El Fotógrafo Lector estrena dominio, gracias por sus visitas

Este año el blog ha recibido visitas desde 45 países.

Este año el blog ha recibido visitas desde 45 países.

 

Después de nueve meses de comenzar a usar este espacio para compartir mis inquietudes fotográficas he decidido comprarle su propio dominio. A partir de ahora será más fácil ubicarlo en http://www.fotografolector.com

Agradezco mucho a todos ustedes sus visitas y sus amables comentarios, son un gran aliciente para enfrentar el terrible obstáculo de la página en blanco. El tiempo es lo más valioso que tenemos en nuestra vida (de hecho es nuestra vida) y es un honor que ustedes decidan dejar un poco del suyo aquí. Algunos de los textos que hay aquí han llegado a consumirme durante todo un día en su elaboración, pero ese esfuerzo se ve recompensado cuando al menos una persona le dedica una lectura generosa. También es agradable ver que el blog ha recibido visitas desde 45 países. Supongo que los clicks que llegan desde los lugares mas lejanos se deben al buscador de imágenes de Google y no a los textos, pero espero que los clicks de países más afines culturalmente si sean de lectores.

Hasta el día de hoy los posts más leídos han sido:

Yolanda Andrade, escenógrafa del caos

Un día con Patricia Aridjis

Todos los Pedros que son Pedro Meyer

¿Por qué algunos “Fotógrafos” odian Instagram?

La visita del Unicornio

Lee Miller, fotógrafa y mujer libre

El galeón español

Tu mejor foto es la que nunca fue

El día en que el agua rodeó al Presente (La Gran Inundación IV)

Nuevamente gracias a todos los visitantes de todas partes, espero que lo escrito aquí les siga resultando digno de leerse.

Francisco Cubas

 

 

Cómo acercarse a la fotografía de Yolanda Andrade

Yolanda la inauguración de la muestra "Las vegas: ©2013 Francisco Cubas

Yolanda en la inauguración de la muestra “Las vegas: artificio y neón” en el Instituto Juárez.  ©2013 Francisco Cubas

Han pasado muchos años, pero parece que al fin el trabajo fotográfico de Yolanda Andrade comienza a ser valorado por sus paisanos en Tabasco. No repetiré aquí lo que ya dije sobre su obra y su trayectoria en un post anterior, pero sí vuelvo a decir que es mucho todavía el reconocimiento que las instituciones culturales tabasqueñas le deben a una de sus principales figuras contemporáneas.

La inauguración de la muestra Las Vegas: artificio y neón, que le organizó el Instituto Juárez el pasado 28 de mayo en Villahermosa tuvo una amplia concurrencia que incluyó desde altos funcionarios culturales hasta jóvenes entusiastas de la fotografía que hicieron fila para tomarse la foto con la autora.

La obra, que podrá observarse durante un mes en la galería principal del Instituto Juárez, es en palabras de su autora un pequeño libro de viaje, una crónica visual de una visita que realizó en el 2003, hace ya una década, justo el año en que da el gran salto de lo analógico a lo digital y el todavía más grande salto del blanco y negro al color. (En el catálogo de la exposición, que fue diseñado por la propia Yolanda, ella misma afirma que las fotos fueron tomadas en el 2004, es una confusión que descubrió después, al revisar los archivos de las imágenes).

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“Eres también aquello que has perdido”

©2007 Francisco Cubas

©2007 Francisco Cubas

La imagen más simple puede contener mundos. Miro hoy esta fotografía y vuelvo a la tarde de otro domingo, el 11 de noviembre de 2007. El río se ha retirado por fin de la casa donde vivía entonces, tras haberla inundado hasta una altura de dos metros. Alrededor de esos libros todo es desolación: muebles, ropa, libreros, aparatos, películas, discos, cartas, tarjetas, negativos, ampliaciones; todo ha flotado durante más de una semana en agua estancada, mezcla de lluvia y cañería. Es la casa que fue el hogar donde creció y murió mi matrimonio de cuatro años, donde cada pequeño objeto guarda el recuerdo de un instante tristemente feliz o felizmente triste, pero cada pequeño objeto yace ahora embarrado en un lodo negro y fétido que lo llena todo.

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