La caída de Steve McCurry

 

La historia ha estado circulando los últimos días en la web. Steve McCurry, el legendario fotógrafo de las a su vez legendarias National Geographic y Magnum ha sido sorprendido utilizando de manera artera la manipulación digital en algunas de sus imágenes.

El fotógrafo italiano Paolo Viglione fue a una exposición de McCurry en Italia y posteó en su blog su sorpresa al ver la siguiente imagen en la muestra.

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La imagen fue rápidamente retirada de la página oficial de McCurry, pero otras personas se dieron a la tarea de buscar más casos en los archivos del fotógrafo y encontraron al menos las dos imágenes siguientes:

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La página PetaPixel contactó con McCurry y el fotógrafo respondió con varios párrafos en los que primero menciona su gran carrera y concluye como lo haría una político en una situación de crisis: “se han cometido errores y la persona responsable de ellos ya no trabaja con nosotros”.

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César Holm, formando públicos para la fotografía

César Holm, durante el curso sobre docencia fotográfica que impartió en el Centro de la Imagen de Tabasco la primera semana de septiembre del 2015.

César Holm, durante el curso sobre docencia fotográfica que impartió en el Centro de la Imagen de Tabasco la primera semana de septiembre del 2015. © Francisco Cubas

Los cursos, talleres o “workshops” (estos últimos dirigidos a quienes aún se dejan apantallar con el inglés) parecieran haber crecido exponencialmente con la fotografía digital. Seguramente en ningún otro momento de la historia hemos tenido acceso a una oferta tan variada para aprender fotografía. El problema es que esta oferta suele ser tremendamente desigual y está motivada principalmente por impulsos económicos y no educativos.

César Holm, especialista en la docencia fotográfica con varios años de experiencia, coordinador del Aula del Centro – Especialización Fotográfica en Querétaro, visitó Villahermosa (desde donde se escribe este blog) hace unas semanas para impartir un curso al respecto.

Durante el curso, Holm adoptó el papel del maestro insoportable como estrategia para escandalizar y provocar al alumno, además de alejar a quienes sólo llegan con un interés superficial. Su mezcla de insolencia y revelaciones personales, anclada en un sólido conocimiento de su área, le transforman en un incordio entrañable, un mal necesario y un docente memorable que insistió en dejar una huella práctica de su enseñanza, forzando al grupo de fotógrafos asistentes a comprometerse a dar el primer paso para un futuro consejo de la fotografía en Tabasco.

A mitad de ese curso, durante una mañana de un septiembre extremadamente cálido en Villahermosa, aceptó contestar unas preguntas para este blog:

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Wenders filma un gran promocional para Salgado

Wim Wenders, Juliano Ribeiro y Sebastiao Salgado. Foto: Sony Pictures Classics.

Wim Wenders, Juliano Ribeiro y Sebastiao Salgado. Foto: Sony Pictures Classics.

Cuando supe que Wim Wenders había dirigido un documental sobre Sebastiao Salgado me emocioné. A pesar de que su brillo se ha apagado con los años, el director alemán es un cineasta de referencia, que además practica la fotografía e incluso está casado con una fotógrafa. ¿Quién mejor que el director de Buena Vista Social Club y Pina para abordar una de las figuras más controvertidas y famosas de la fotografía del último medio siglo?

Pero una vez sentado en la sala de cine la emoción se fue disipando a medida que transcurrían los minutos, hasta terminar en una gran desilusión.

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Robert Capa habla sobre su foto más famosa

Robert Capa retratado por Ruth Orkin en 1952.

Robert Capa retratado por Ruth Orkin en 1952.

Cualquiera que tenga cierto interés en la fotografía ha contemplado la imagen tomada el 5 de septiembre de 1936 en España, por el que es considerado el fotógrafo de guerra por antonomasia: Robert Capa. La foto, que muestra el preciso instante en que un soldado republicano se desploma abatido por una bala, ha sido ampliamente discutida a lo largo de los años. Fue tomada con una Leica, con película blanco y negro y posiblemente un objetivo de 35 mm. El negativo original nunca ha sido encontrado, así que sólo existen reproducciones, y el grano que se advierte en éstas permite pensar que la foto fue bastante ampliada para su publicación. Después de ser considerada como la mejor fotografía de guerra de la historia durante mucho tiempo, a partir de los años 70s varios historiadores comenzaron a cuestionar su autenticidad. La gran distancia temporal de los acontecimientos y el caos a que dan lugar todas las guerras, ha hecho imposible obtener pruebas irrefutables a favor o en contra.

Miliciano caído en el frente. Robert Capa, 1936.

Miliciano caído en el frente. Robert Capa, 1936.

Se ha dicho que fue una puesta en escena de un grupo de milicianos bastante lejos del frente de batalla, que habrían posado para ofrecerle a Capa la posibilidad de enviar fotos de batalla a su agencia. Se ha dicho también que en efecto era una escenificación, pero que mientras los milicianos hacían las maniobras un francotirador los sorprendió disparando contra ellos, lo cual explicaría la cercanía de Capa con el soldado caído. Algunos han identificado al hombre que aparece en la foto como Federico Borrell, quien efectivamente fue muerto en batalla, pero otros afirman que no murió atacando, sino escondido detrás de un árbol y otros incluso afirman que no se parecía al de la foto.

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Federico Gama y el laberinto de la identidad

 

Federico Gama durante el taller en el Planetario Tabasco 2000. ©2013 Francisco Cubas

Federico Gama durante el taller en el Planetario Tabasco 2000. ©2013 Francisco Cubas

Federico Gama no quería ser fotógrafo. O al menos eso es lo que él nos cuenta. Originario del barrio de Tacubaya, fue un chavo de barrio se dedicó al boxeo, el punk y los excesos durante buena parte de su primera juventud, hasta que sensibilidad lo devolvió a las aulas. Como si tuviera que compensar el tiempo perdido, estudió dos carreras consecutivamente, Comunicación y Diseño Gráfico, aunque en realidad él quería dedicarse a la pintura o la escultura, y encontramos así una primera búsqueda de identidad:

“Yo no quería ser fotógrafo, las primeras fotos que hice fueron fundamentales para que yo me dedicara a la fotografía, mi madre me regaló una cámara y con ella hice mis primeras fotos un primero de mayo de 1986. Vi las fotos y dije: “ah caray, tienen buena composición”. Yo no sabía absolutamente nada de foto pero sí sabía de composición porque me quería dedicar a la pintura o a la escultura, pero me las publicaron y entonces dije: “ah, y además son útiles, yo puedo decir lo que yo quiero y lo que yo pienso sobre el primero de mayo, y además sirven para algo”. Entonces en ese momento me atrapó la fotografía documental. Experimenté con muchas cosas, foto construida, de fotos rayadas, pegar cosas, etc, todo eso me gusta porque vengo de una veta manual con el rollo de la escultura, pero finalmente la utilidad que puede tener la imagen fue lo que me motivó y es lo que me mueve. ¿Para qué hago este trabajo si no es útil para algo?”.

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Armando Cristeto y la fotografía de autor en Tabasco

Armando Cristeto el 30 de agosto de 2013, al final del diplomado ofrecido en Tabasco, el día del octavo aniversario luctuoso de su hermano, "Adolfotógrafo". ©2013 Francisco Cubas

Armando Cristeto el 30 de agosto de 2013, al final del diplomado ofrecido en Tabasco, el día del octavo aniversario luctuoso de su hermano, “Adolfotógrafo”. ©2013 Francisco Cubas

Tabasco no existe todavía en el mapa de la fotografía autoral en México. Fue la primera declaración de Armando Cristeto al comenzar su módulo de historia de la fotografía mexicana, parte inaugural del segundo diplomado en fotografía que se está impartiendo en Villahermosa desde el pasado 26 de agosto.

Es probable que una afirmación tan categórica haya incomodado a algunos de los 20 fotógrafos ahí presentes, pero Cristeto la respaldó con una argumentación irrebatible: la proyección de un estado o región puede medirse en el número de sus fotógrafos que participan en las exposiciones de carácter nacional e internacional, en los premios ganados, en las publicaciones de libros con editoriales reconocidas o en su aparición en antologías y compilaciones.

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México Turbio, de Patricia Aridjis

Habitante de Nuevo Torno Largo, comunidad que vive frente una planta de Pemex, y dónde hay un índice muy elevado de cáncer infantil, entre otras anomalías de salud. @2013 Patricia Aridjis

Habitante de Nuevo Torno Largo, comunidad que vive frente una planta de Pemex, y dónde hay un índice muy elevado de cáncer infantil, entre otras anomalías de salud en la población. @2013 Patricia Aridjis

Hace unas semanas, cuando tuve la oportunidad de acompañar a Patricia Aridjis a su trabajo de campo en Nuevo Torno Largo, ella tuvo la gentileza de invitarme a escribir el texto de presentación para la muestra México Turbio que se inauguró el pasado viernes 19 de julio en el Centro de la Imagen de Tabasco. Fue un honor para mí, ya que recuerdo que yo y otros amigos fotógrafos que coincidimos brevemente en el diario Milenio de Tabasco hace 10 años admirábamos mucho su trabajo, que en ese entonces se publicaba en el dossier fotográfico Mirador, a cargo del editor Fernando Villa del Ángel.
La exposición estará visible durante al menos un mes en la galería ya citada, ubicada en la Zona CICOM y es una gran oportunidad para apreciar este trabajo que Patricia ha realizado con apoyo del Sistema Nacional de Creadores de Conaculta.

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Un día con Patricia Aridjis

Patricia Aridjis en Nuevo Torno Largo, Tabasco. ©2013 Francisco Cubas

Patricia Aridjis en Nuevo Torno Largo, Tabasco. ©2013 Francisco Cubas

Como todo origen es arbitrario, podríamos ubicar el germen de esta historia en la milenaria ciudad de Tire, cuna del abuelo de Patricia Aridjis. Él pertenecía a la ancestral colonia griega que fue expulsada luego de la derrota en la guerra greco-turca de 1922. Aquel veterano de la Primera Guerra Mundial tal vez intuyó que la guerra estaba muy lejos de acabarse en Europa. El caso es que alguien, en alguna embajada, le mencionó México como un buen lugar para emigrar. Y así, sin saber español ni conocer a nadie se embarcó. En el DF conoció y se casó con una joven de Contepec, un pequeño pueblo michoacano donde procrearía cinco hijos (el menor de ellos es el poeta Homero Aridjis) y donde, una generación más tarde, nacería Patricia.

“Yo creo que de ahí me viene mi espíritu aventurero, de mi abuelo”, dice sonriente, y  me cuenta cómo al terminar la carrera de Comunicación en la UAM se fue de mojada a Estados Unidos en compañía de una amiga, “para ver qué pasaba”. Pasaron al otro lado, a San Diego, “y todo salió mal”, prosigue Patricia, “quienes nos iban a dar hospedaje nunca aparecieron, nos quedamos sin dinero y terminé limpiando mesas en un restaurante para poder regresar a México”.

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Cómo acercarse a la fotografía de Yolanda Andrade

Yolanda la inauguración de la muestra "Las vegas: ©2013 Francisco Cubas

Yolanda en la inauguración de la muestra “Las vegas: artificio y neón” en el Instituto Juárez.  ©2013 Francisco Cubas

Han pasado muchos años, pero parece que al fin el trabajo fotográfico de Yolanda Andrade comienza a ser valorado por sus paisanos en Tabasco. No repetiré aquí lo que ya dije sobre su obra y su trayectoria en un post anterior, pero sí vuelvo a decir que es mucho todavía el reconocimiento que las instituciones culturales tabasqueñas le deben a una de sus principales figuras contemporáneas.

La inauguración de la muestra Las Vegas: artificio y neón, que le organizó el Instituto Juárez el pasado 28 de mayo en Villahermosa tuvo una amplia concurrencia que incluyó desde altos funcionarios culturales hasta jóvenes entusiastas de la fotografía que hicieron fila para tomarse la foto con la autora.

La obra, que podrá observarse durante un mes en la galería principal del Instituto Juárez, es en palabras de su autora un pequeño libro de viaje, una crónica visual de una visita que realizó en el 2003, hace ya una década, justo el año en que da el gran salto de lo analógico a lo digital y el todavía más grande salto del blanco y negro al color. (En el catálogo de la exposición, que fue diseñado por la propia Yolanda, ella misma afirma que las fotos fueron tomadas en el 2004, es una confusión que descubrió después, al revisar los archivos de las imágenes).

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Lee Miller, fotógrafa y mujer libre

Lee Miller, fotografiada por Man Ray en 1930.

Lee Miller, fotografiada por Man Ray en 1930.

¿Qué decir de Lee Miller? Nacida en Nueva York en 1907, violada por unos conocidos de sus padres a los siete años, un siquiatra le recomendó separar el sexo del amor, lo cual tal vez la ayudó a vivir con libertad en un mundo dominado por hombres (principios del siglo XX). Extraordinariamente bella, su propio padre le tomaba fotos desnuda. A los 20 años Condé Nast la encontró en Manhattan e inmediatamente la hizo modelo de Vogue y rostro de la publicidad de tampones Kotex. Luego llegó a París, donde fue pupila y amante del célebre fotógrafo Man Ray y perfeccionó junto a él el proceso de solarización que lo hizo famoso (y por el cual ella nunca recibió crédito). Actuó en una película de  Cocteau,  y su tendencia a conocer nuevos amantes la llevó a separarse de Man Ray y poner su propio estudio fotográfico, donde tuvo como clientes a los miembros de la elite neoyorquina. Tras casarse con un egipcio y pasar una etapa espiritual entre pirámides y desiertos regresó a Londres para ser corresponsal de moda de Condé Nast, y posteriormente dar el salto a corresponsal de guerra. Estuvo en la liberación de los campos de Buchenwald y Dachau. Pudo entrar a la residencia de Hitler en Munich, donde se desnudó para ser fotografiada en la bañera del dictador. La posguerra no le fue propicia, se embarazó a los 40 años, envejeció, engordó. Se retiró a una granja en Sussex, donde se hizo cocinera y vivió hasta su muerte, en 1977.

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